Ростислав Янович Плятт

Народный артист СССР

Лауреат Государственной премии СССР

13 декабря 1908–30 июня 1989

Один из самых популярных актеров отечественного театра и кино, актер Театра имени Моссовета.

Кому-то актер врезался в память симпатичным бездетным геологом, закоренелым холостяком Евгением Семёновичем из фильме «Подкидыш», кому-то — заносчивым, глупым, самовлюбленным нарциссом Бубенцовым — завхозом института Солнца из фильма «Весна». А в чьей-то памяти Плятт остался Пастором Шлагом, интеллигентом, пацифистом, противником нацизма из «Семнадцати мгновений весны», умным ироничным Бернардом Шоу или потрясающей верности и нежности стариком Купером из спектаклей Театра имени Моссовета «Милый лжец» и «Дальше — тишина». Все это — Ростислав Янович Плятт — актер невероятного обаяния, обладающий великолепным, ставшим легендарным, чувством юмора и потрясающим даром перевоплощения.

Ростислав Иванович Плят (Ростиславом Яновичем Пляттом он станет чуть позже) родился в 1908 году в Ростове-на-Дону в семье адвоката. С 1916 года жил в Москве, учился в Девятой школе МОНО имени Томаса Эдисона (до 1918 года называлась Медведниковской гимназией), куда часто приезжали со спектаклями артисты 2-й и 4-й Студий МХАТа.

В 1926 Ростислав Плятт поступает в театральную студию Юрия Александровича Завадского на Сретенке, переименованную затем в Театр-студию под руководством Завадского, за которым Плятт в 1936 году переезжает в родной город. На ростовской сцене он играет Болингброка в «Стакане воды» по комедии Эжена Скриба, Скалозуба в грибоедовском «Горе от ума» и другие роли. Но по-настоящему крупный успех приходит к Плятту — признанному эксцентрику и острохарактерному актеру — после роли Фон Ранена в «Днях нашей жизни», обнаружившей его склонность к углубленному, психологически тонкому раскрытию характера героя.

В 1938 году Плятт возвращается в Москву и до 1941 года работает в Театре имени Ленинского комсомола, затем с 1941 по 1943 год — в Московском театре драмы (в помещении эвакуированного из Москвы Театра Революции, ныне — Театр Маяковского), где собрались оставшиеся в Москве актеры. Плятта, игравшего в спектаклях по произведениям Константина Симонова, автор назвал единственным и неповторимым исполнителем роли Бурмина в «Парне из нашего города», а также Васина в «Русских людях». Поработав на сценах других театров, Плятт возвращается к Завадскому и остается до конца верным ему и Театру имени Моссовета, где сразу же играет несколько разноплановых ролей, среди которых Нинкович в комедии «Госпожа министерша» Бранислава Нушича, и доктор Дорн в чеховской «Чайке».

Репертуар Ростислава Плятта всегда был жанрово разнообразен. Он играл разных, не похожих друг на друга героев: главных и второстепенных, в комедиях и драмах, в классических пьесах и произведениях современных авторов. Такую коллекцию разноплановых ролей, в которой сочетались бы Казарин в лермонтовском «Маскараде», Крогстад в ибсеновской «Норе», Цезарь в «Цезаре и Клеопатре» Шоу и сам Бернард Шоу — персонаж пьесы Джерома Килти «Милый лжец», Федор Карамазов в «Братьях Карамазовых» по Достоевскому и судья Хейвуд в «Суде над судьями» по киноповести Эбби Манна, найдешь в биографии далеко не каждого артиста.

Почти каждая роль Ростислава Яновича становилась событием. Его исполнению роли Генерала Фицбаттресса в спектакле «На полпути к вершине» дал высокую оценку автор пьесы, выдающийся британский артист, режиссер, драматург, сценарист и писатель Питер Устинов, присутствовавший на премьере. А дуэт Плятта и Фаины Раневской в спектакле «Дальше — тишина» Вины Дельмар в постановке Анатолия Эфроса стал эталоном актерского сотворчества и взаимопонимания, благодаря чему игра этих двух выдающихся артистов поднималась до недосягаемых высот профессионального мастерства.

Ростислав Плятт — это не только экранные и сценические образы. Это — неповторимые интонации, звучащие из радиоприемника в каждом доме. Плятт работал на радио с 1931 года. Особый тембр его голоса, проникновенный тон со множеством оттенков, в том числе иронии, завораживали не одно поколение радиослушателей. Юмор, ирония и самоирония, которыми был так знаменит Ростислав Янович, нашли настоящую отдушину в легендарных театральных капустниках, одним из авторов и самых активных участников которых был народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР, Герой Социалистического Труда, выдающийся артист и бесконечно остроумный человек — Ростислав Янович Плятт.

Борис Владимирович Иванов

народный артист РСФСР

28 февраля 1920–2 декабря 2002

Актер театра и кино, один из ведущих актеров Театра имени Моссовета.

Борис Иванов родился в Одессе в 1920 году и на всю жизнь сохранил присущий этому южному городу особый образ жизни и взгляд на жизненные ситуации.

Будучи 14-летним школьником, влюбленным в театр и музыку, он устраивается статистом в Одесский театр оперы и балета. Закончив школу, Борис Иванов поступает в театральное училище. Дипломный спектакль, назначенный на 22 июня 1941 года, состоялся уже без зрителей, а через несколько дней он уходит добровольцем в армию.

В апреле 1942 года, в ходе тяжелых боев, старший лейтенант Иванов получает множественное осколочное ранение. Как он сам писал: «...все пробито — ноги, руки, шея, плечо». Ранение в плечо было самым тяжелым, руку удалось спасти, правда, движение ее было навсегда ограничено. Через полгода, проведенных в госпитале, признанный негодным к военной службе Борис Иванов отправляется в Москву в надежде поступить в театр.

Но на пути в Москву у него крадут все деньги и документы, и, по воле случая, он вынужден задержаться в городе Рыбинске. Этот период растягивается на год, а Борис Иванов поступает в местный драматический театр. Выправив документы, в 1944 году он наконец уезжает в Москву и, вот он — счастливый случай: Юрий Завадский принимает его в труппу Театра имени Моссовета, где очень скоро молодой артист уже плотно задействован в текущем репертуаре.

В театре, где звезд на сцене было намного больше, чем на его погонах, талантливый, неунывающий, остроумный и веселый актер Борис Иванов быстро становится душой коллектива, любимцем всей труппы, непременным участником всевозможных капустников и дружеских розыгрышей. Сама великая Фаина Раневская нередко взывала: «Уберите Иванова, а то я умру от смеха!».

Дуэт Бориса Иванова и Анатолия Адоскина был известен всей театральной Москве — ни один капустник, ни одно поздравление не обходилось без их участия. Это всегда было на злобу дня, очень смешно и очень театрально. В родном театре все звали его просто дядя Боря, и в этом не было фамильярности — это были любовь и уважение.

В работе Борис Владимирович, обожавший свое дело, был необычайно строг и требователен. Коллеги помнят его слова: «Только мертвый артист может не прийти на спектакль». На сцене Театра имени Моссовета он проработал 58 лет и переиграл героев почти всей отечественной и зарубежной классики: Доблмен в «Краже», Наполеон в «Катрин Лефевр», Форд в «Виндзорских насмешницах», Потин в «Цезаре и Клеопатре», Лепле в «Эдит Пиаф», Лавр Мироныч в «Последней жертве», Павлин в «Егоре Булычеве и других», Сорин в «Чайке», Фон Шратт в «Белой гвардии», Мистер Хардкэстль в «Ошибках одной ночи», Дож Венеции в «Венецианском купце», Ларош Матье в «Милом друге», Бахчеев в «Фоме Опискине», Фирс в «Вишневом саде» и многие-многие другие.

Борис Иванов обладал безукоризненным музыкальным слухом и прекрасным голосом, поэтому в рок-опере «Иисус Христос — суперзвезда» стал первым исполнителем партии Понтия Пилата и играл эту роль на протяжении многих лет.

Кинокарьера Бориса Иванова начала набирать обороты в 1961 году и насчитывает более ста ролей на экране, но перечислить даже большую часть из них не представляется возможным. Его уникальный, но такой узнаваемый голос, который невозможно спутать ни с каким другим, был крайне востребован на радио: в радиоспектаклях и передачах, ставших классикой.

В 2002 году Борис Владимирович Иванов сыграл свою последнюю роль на сцене Театра имени Моссовета — старого актера Вилли Кларка в спектакле «Комики» по пьесе Нила Саймона.

Борис Владимирович прожил долгую и насыщенную жизнь. До последнего дня он играл на сцене театра, с которым однажды, много лет назад, решил связать свою жизнь, где был любим и коллегами, и зрителями. Борис Иванов много путешествовал, любил классическую музыку, живопись, а особенно — творчество Исаака Левитана и Михаила Нестерова, обожал принимать у себя друзей.

В одном из своих редких интервью он сказал однажды: «Я как-то сообразил, что живу „в премию“ — за то, что не остался лежать там, на окровавленной, промерзшей новгородской земле, а был найден и вытащен из мертвых». И Борис Владимирович Иванов «на эту премию» жил полной жизнью, был легким и ироничным в общении, занимался любимым делом и долгие годы дарил людям радость от встречи с его неизменным, уникальным талантом.

Алексей Анатольевич Консовский

Народный артист России

28 января 1912–20 июля 1991

Актер Театра имени Моссовета, легендарный шварцевский Принц из фильма Надежды Кошеверовой «Золушка», на котором выросло не одно поколение советских и российских детей.

Алексей Консовский — актер богатой событиями и творческими перипетиями судьбы. Он учился в ГЭКТЕМАСе — Государственной экспериментальной театральной мастерской, это была студия при Государственном театре имени Вс. Мейерхольда — одновременно принимая участие в спектаклях мастера, в частности, играл Буланова в его легендарном «Лесе».

После того как Консовский в 1935 году покинул театр Мейерхольда, начинается его странствие по театральным сценам страны, на каждой из которых он играл не более двух лет. Это — Студия под руководством МХАТовца Николая Хмелева, Театр рабочей молодежи — ныне Ленком, где Консовский сыграл Павла Корчагина; Ленинградский театр Комедии, где им был создан образ Орсино в знаменитой шекспировской «Двенадцатой ночи» режиссера Николая Акимова, незадолго до этого возглавившего театр. Затем несколько лет Консовский был артистом студии «Союздетфильм» — нынешней киностудии имени Горького. Свою пристань Алексей Анатольевич обрел в Театре имени Моссовета, в котором проработал с 1943-го по 1986-й год, правда, с трехлетним перерывом.

В театре имени Моссовета Консовский сразу же стал одним из «артистов Завадского». Ввелся в его спектакли «Забавный случай» по комедии Карло Гольдони и «Нашествие» по пьесе Леонида Леонова, а затем последовали роли в премьерных спектаклях — Родриго в шекспировском «Отелло», Треплев в чеховской «Чайке», Незнамов в спектакле «Без вины виноватые» по пьесе Александра Островского и другие. Тем не менее, в 1950 году Алексей Анатольевич покинул труппу Театра имени Моссовета и перешел в столичный театр имени Ермоловой, возглавляемый в ту пору знаменитым режиссером Андреем Лобановым. Там он сыграл Филиппо в спектакле по пьесе Тирсо де Молины «Благочестивая Марта», Рюмина в горьковских «Дачниках», Вадима в «Молодых годах» по роману Юрия Трифонова «Студенты». Но в 1953 году Консовский возвращается в Театр имени Моссовета, а принявший беглеца Юрий Завадский предлагает ему роли самого широкого актерского диапазона, среди которых были: Андрей Сергеевич Ваганов в «Истории одной любви» по первой пьесе Константина Симонова, Эдгар в шекспировском «Короле Лире», Адвокат Хельмер в ибсеновской «Норе», Роберто в «Бунте женщин» по сказочному фарсу Назыма Хикмета, Сэмюэль в «Странной миссис Сэвидж» по комедии Джона Патрика и даже Ленин в спектакле «Три камня веры» по пьесе Николая Вирты.

Есть в послужном списке актера и роли в абсолютно знаковых для театра спектаклях: Человек Театра в шекспировских «Виндзорских насмешницах», Неизвестный в лермонтовском «Маскараде».

В Театре имени Моссовета Алексей Консовский проработал до 1986-го года. Среди его ролей последних лет такие разноплановые работы как: Старец Зосима в знаменитом спектакле Павла Хомского «Братья Карамазовы», Жан в «ОБЭЖ» по комедии Бранислава Нушича, Судья Норрис в «Суде над судьями» по судебной драме Эрика Манна.

На протяжении всей жизни Алексей Анатольевич снимался в кино, но для большинства зрителей он так и остался принцем их «Золушки». В кино он дебютировал, как это ни неожиданно, по другую сторону экрана. Он стал первым советским актером дубляжа, озвучив в 1934 году главного героя в американском фильме «Человек-невидимка». Дубляж, как и съемки в кино, стали важной частью творческой жизни актера. Он не только дублировал зарубежные картины, его голос мастера закадрового текста звучит в десятках игровых и документальных фильмов. Помимо кино и телевидения Алексей Анатольевич много и плодотворно работал на радио, участвовал в радиоспектаклях, записывал чтецкие программы. Его потрясающий проникновенный голос без преувеличения знала вся страна.

Вера Петровна Марецкая

Народная артистка СССР,
лауреат четырех Сталинских премий СССР,
кавалер двух орденов Ленина

31 июля 1906–17 августа 1978

Одна из самых знаменитых актрис советского театра и кино.

Многолетний партнер Веры Петровны по сцене Ростислав Янович Плятт писал о ней в своих воспоминаниях: «Актрисы более блистательной я не знал. Она могла все. Простой перечень сыгранных Марецкой ролей поставил бы в тупик любого театрального „классификатора“, если бы тот попытался определить ее амплуа, оперируя принятыми обозначениями: травести, субретка, инженю, героиня, комическая старуха и т.п. Марецкая играла и тех, и других, и третьих. И, что самое существенное, играя, всякий раз убеждала в своем праве на данную роль. Ей были по плечу все жанры: трагедия, комедия, драма, водевиль, буффонада, фарс... А начинала она в Студии Юрия Александровича Завадского как актриса острохарактерная».

Изначально юная Вера Марецкая поступила на философский факультет Московского университета сразу после окончания школы, но через год оставила учебу.

В 1924 году Марецкая окончила Школу-студию при Театре им. Вахтангова, где произошла ее судьбоносная встреча с Юрием Александровичем Завадским, с которым в дальнейшем была связана вся ее творческая жизнь. После смерти Евгения Вахтангова студией несколько лет руководил Юрий Завадский. С 1927 года они уже вместе создавали Театр-студию его имени, в котором до 1936 года служила Вера Марецкая и по праву считалась примой. Уже здесь ярко проявились главные черты ее индивидуальности: широта творческого диапазона, смелость и оригинальность сценических находок.

Будучи молодой актрисой, она играла самые разноплановые роли, в том числе и старух — мадам Соковнину в «Простой вещи» по рассказу Бориса Лавренёва, фрау Шнютхен в «Компасе» по пьесе Газенклевера. Но наибольший успех принесли ей роли Глафиры в «Волках и овцах» по пьесе Александра Островского и экстравагантной Бетти Дорланж в «Школе неплательщиков» по пьесе Луи Вернейля.

В конце тридцатых Марецкая успела поработать в Ростовском драматическом театре имени Горького, где с 1936 по 1940 годы главным режиссером был Юрий Завадский. Дело в том, что этот период и внезапный отъезд напрямую были связаны с кампанией по упразднению «чересчур ярких, неортодоксальных театров» и «переброске» их в другие города. Многие из студийцев последовали тогда за своим мастером, среди них была, конечно же, и Вера Марецкая.

Здесь в репертуаре Марецкой появляется драматическая роль заглавной героини в «Любови Яровой» по пьеса Константина Тренёва. В этот же период Марецкая, имеющая за плечами десятки киноролей, снимается в фильме Александра Зархи и Иосифа Хейфица «Член правительства», принесшем ей всенародную популярность и признание.

С 1940 года судьба Веры Марецкой прочно связана с Театром имени Моссовета, придя в который она сразу же сыграла две свои знаменитые роли — Мирандолину в «Хозяйке гостиницы» по комедии Карло Гольдони и заглавную героиню в «Машеньке» по пьесе Александра Афиногенова, отразившие основные направления в творчестве актрисы этих лет: склонность к комедийным характерам, исполненным с ярким юмором, и к ролям, исследующим душевный мир молодого человека. Это были юные девушки, такие как Надежда Дурова в одноименной пьесе Кочеткова и Липскерова, Варя во «Встрече в темноте» Фёдора Кнорре, Маша в чеховской «Чайке», и наряду с ними — острохарактерные роли.

Творчество Марецкой раскрывает многообразие женских судеб. Это и Леди в спектакле «Орфей спускается в ад» по пьесе Теннесси Уильямса, и Мюкелина (Лисистрата) в постановке по пьесе Хикмета и Комиссаржевского «Бунт женщин», героиня комедии «Миллион за улыбку» по пьесе Анатолия Софронова, вдова полковника в спектакле «Врачи ничего не знают» по пьесе эстонского писателя и драматурга Юхана Смуула и многие другие.

Среди ярких образов, созданных актрисой на сцене Театра имени Моссовета: Баронесса Штраль в легендарном лермонтовском «Маскараде» Юрия Завадского, Марья Александровна Москалева в «Дядюшкином сне» по Достоевскому в постановке Ирины Анисимовой-Вульф, в тандеме с которой актриса создала не одну свою роль; миссис Сэвидж в «Странной миссис Сэвидж» по комедии Джона Патрика, поставленной знаменитым приглашенным режиссером Леонидом Варпаховским. Миссис Сэвидж стала последней работой Веры Петровны на сцене, которую, по счастью, успело заснять телевидение, как и несколько других спектаклей с участием актрисы.

Но широкому зрителю блистательная Вера Марецкая знакома в большей степени своими киноработами. И в первую очередь такими ролями как крестьянка Александра Соколова в «Члене правительства», Прасковья Лукьянова в «Она защищает Родину», акушерка Змеюкина в «Свадьбе» по одноактной пьесе Чехова, Варвара Мартынова в «Сельской учительнице», в которой героиня проходит долгий путь, начиная его гимназисткой и заканчивая пожилой женщиной и другие.

Сергей Иванович Прокофьев

27 апреля 1890–2 сентября 1944

Актер, режиссер, драматург, основатель и главный режиссер Театра Моссовета в 1923-1925 годах.

Сергей Иванович Прокофьев родился в 1890 г. Известно, что его мать, Ольга Прокофьева, была актрисой.

В 1911 году Сергей Прокофьев окончил Петербургское театральное училище по классу Анатолия Ивановича Долинова. Около 10 лет он служил на Иркутской сцене, создавая в городе Народный театр и театральную студию при нем. В Иркутске был создан Профессиональный союз работников музыки, сцены и кино, в правление которого входил Прокофьев.

В начале 1920-х годов Сергей Иванович организует в Москве передвижную театральную труппу, которая 3 марта 1923 года становится театром рабочих Московского губернского совета профессиональных союзов — сокращенно МГСПС, а ныне — Театр Моссовета.

Время диктовало запрос на человека новой формации. Прокофьев отлично вписывался в этот канон. Активный и деятельный, он утверждал: «Театр — единица пропагандистская», и в соответствующем духе строил репертуар.

Театр открылся его постановкой оппозиционной по отношению к религиозной власти пьесы Леонида Андреева «Савва». Затем была пьеса Прокофьева «Париж» — его собственная переделка одноименного романа Эмиля Золя, пронизанная призывом к борьбе с буржуазной и мелкобуржуазной идеологией.

Одно из несомненных творческих достоинств Сергея Прокофьева заключалось в том, что он быстро и увлеченно работал над инсценировками. Следующими его постановками стали спектакли «Овод» по роману Войнич и «Севильский цирюльник» Бомарше, где акцент был сделан на интермедии, представлявшие собой, как писал критик Эммануил Бескин, весьма удачные агитационные фельетоны на актуальные темы того времени.

В 1925 году театр решено было реорганизовать, а Прокофьев был отстранен от работы.

После увольнения Сергей Прокофьев отправляется в Красноярск, где в 1925 году создает театральный коллектив при Доме политпросвещения, а в 1926 году предлагает проект первой в Сибири Рабочей театральной мастерской — Рабтемаст, — при которой в 1927 году заработала театральная школа. Все постановки театральной мастерской публика встречала восторженно.

Подводя итоги театрального года «Красноярский рабочий» писал: «В клубе Карла Либкнехта театральная молодежь под руководством Сергея Ивановича Прокофьева творила большое дело. Убивая весь свой досуг, репетируя в невозможных условиях, рабочие актеры создали ряд крепких художественных спектаклей». Поэтому следующий сезон самодеятельный коллектив открывал уже в положении профессионального театра. А нарком просвещения А.В. Луначарский отметил рабочий театр, побывав в Красноярске.

После Красноярска Рабтемаст работал в Богородске Московской области, периодически приезжая с выступлениями в Москву, просуществовав таким образом на протяжении 9 лет.

Сергей Иванович Прокофьев ушел из жизни в 1944 году в возрасте 54 лет.

Юрий Александрович Завадский

Народный артист СССР,
Лауреат Государственных премий СССР,
Герой Социалистического Труда

13 июля 1894–5 апреля 1977

Родился 13 июля 1894 года в дворянской семье. Учился на юридическом факультете Московского университета, но оставил его в 1917 году.

Большой творческий путь Юрия Завадского начинается в 1915 году, когда многолетний друг Павел Антакольский приводит его в Студию Евгения Вахтангова (с 1920 года она стала называться 3-й студией МХАТ), где Завадский был сначала художником, а чуть позже — актером и режиссером.

Здесь Юрий Завадский становится первым исполнителем ролей Антония и Калафа в спектаклях Евгения Вахтангова «Чудо святого Антония» по пьесе Мориса Метерлинка и легендарной «Принцессе Турандот» по сказке Карло Гоцци. А в 1922-м году, после смерти Евгения Вахтангова, Завадский становится директором Третьей студии по распоряжению Владимира Ивановича Немировича-Данченко.

С 1924-го по 1931-й годы Завадский — актер МХАТа. Он дебютирует с ролью Чацкого в «Горе от ума», над образом которого, по его собственным словам, «имел счастье работать со Станиславским» — режиссером спектакля и исполнителем роли Фамусова.

Лидер по призванию, в 1924 году Юрий Александрович открывает студию, которая три года спустя будет реорганизована в Театр-студию под руководством Завадского. Константин Сергеевич Станиславский поздравил Завадского с открытием собственного театра, который расположился в Большом Головинском переулке, следующими словами: «В день открытия театра Вашего имени шлю сердечные поздравления, искренние пожелания, чтоб в нем процветало подлинное искусство. Поздравляю Вашу молодежь. Мысленно с Вами».

Актерами студии становятся ученики Завадского — Вера Марецкая, Ростислав Плятт, Николай Мордвинов, Павел Массальский и другие.

Студия играла в маленьких залах, и в это время очень важным для формирования Завадского-режиссера оказалось приглашение возглавить в 1932 году Театр Красной Армии. Не бросая своего театра, он принимает это предложение и впервые ставит спектакли на большой сцене.

В 1936 году в Москве начинается движение по «переброске» молодых театров из столицы в крупные центры Советского Союза. Завадский переезжает в Ростов-на-Дону и возглавляет Театр драмы имени Горького, в труппу этого театра входят Вера Марецкая, Николай Мордвинов, Ростислав Плятт и другие актеры, последовавшие за своим учителем.

В 1940 году Завадский возвращается в Москву и становится главным режиссером Театра имени Моссовета. Человек высочайший культуры, яркий представитель эпохи Серебряного века, он на долгие годы определил творческое лицо возглавляемого коллектива, которым руководил до своего ухода из жизни в апреле 1977 года.

Оставаясь верным принципам студийности, в 1943 году Юрий Александрович набирает свою вторую студию, в которой учатся Анатолий Эфрос, Анатолий Адоскин, Борис Новиков, Анатолий Баранцев, Яков Сегель, Нелли Молчадская, Галина Дятловская и другие.

В 1964 году труппу Театра имени Моссовета пополнили выпускники третьей студии Завадского, которая была создана уже на базе театра. Среди них — Маргарита Терехова, Александр Леньков, Юрий Кузьменков, Борис Щедрин, Вячеслав Бутенко, Галина Ванюшкина, Галина Дашевская, Нина Коновалова и другие.

В 1973 году Юрий Александрович набирает свою последнюю «студию» на базе ГИТИСа, в котором он преподавал с 1940-го года. Среди ее выпускников сегодня на сцену Театра имени Моссовета выходят Ольга Анохина, Владимир Горюшин и Алексей Шмаринов.

Завадский воспитал не одно поколение артистов, создал свою актерскую школу, яркими отличительными особенностями которой являются стремление к изящной театральной форме, легкость перевоплощения и широкий диапазон художественной палитры. Ему удалось собрать под одной крышей уникальную по разнообразию актерских индивидуальностей и творческому потенциалу труппу.

Среди наиболее значительных постановок Юрия Завадского на сцене Театра имени Моссовета нельзя не отметить спектакли: «Трактирщица» Гольдони, «Машенька» Афиногенова, «Отелло» Шекспира, «Госпожа министерша» Нушича, «Маскарад» Лермонтова, «Виндзорские насмешницы» Шекспира и многие другие постановки. «Петербургские сновидения» по роману Достоевского «Преступление и наказание» — спектакль, ставший практически «лебединой песней» мастера.

Юрий Александрович Завадский — автор ряда статей и книг. О нем снято множество телевизионных и документальных фильмов.

Фаина Георгиевна Раневская

народная артистка СССР,

лауреат трех Сталинских премий,

кавалер ордена Ленина

27 августа 1896–19 июля 1984

Великая актриса и легендарная женщина. Даже тот, кто никогда не видел Фаину Раневскую на сцене, наверняка знаком с ней по фильму «Подкидыш», принесшему ей всенародную известность. Фраза ее героини «Муля, не нервируй меня!», произносимая актрисой с невероятной интонацией и ставшая лейтмотивом роли, настолько врезалась в массовое сознание, что всю жизнь преследовала Раневскую, сыгравшую около сотни других выдающихся ролей в театре и кино и внесенную редакционным советом английской энциклопедии «Кто есть кто» в 1992 году в десятку самых выдающихся актрис XX века.

Фаина Фельдман — это настоящая фамилия актрисы — родилась в Таганроге. Окончила Мариинскую женскую гимназию, а также посещала частную театральную школу.

В 1915 году она уезжает в Москву, чтобы начать свою сценическую деятельность. Псевдоним Раневская она возьмет в самом начале своего творческого пути, делая первые шаги на профессиональной сцене. В это время она знакомится с Мариной Цветаевой, Осипом Мандельштамом, Владимиром Маяковским, Василием Качаловым и другими выдающимися современниками.

Молодая актриса Раневская много играет в частных театрах — в Малаховском дачном театре в Подмосковье, антрепризе Елизаветы Андреевны Лавровской в Керчи и Феодосии, Павлы Леонтьевны Вульф в Ростове-на-Дону и в 1-м Советском театре, который сегодня носит название Крымского русского драматического театра имени Максима Горького. В Крымском театре она играет роли во всех чеховских пьесах — Шарлотту в «Вишневом саде», Ольгу и Наташу в «Трех сестрах», Войницкую в «Дяде Ване», Зюзюшку в «Иванове».

В 1931 году Раневская возвращается в Москву. Работает в Камерном театре Таирова, в Центральном театре Красной Армии, в Московском театре драмы (сегодня это Театр имени Владимира Маяковского). С 1941-го по 1956 год Фаина Раневская актриса Театра имени Моссовета. Она играет в спектаклях «Модная лавка», «Рассвет над Москвой», «Шторм» — где играет свою знаменитую Маньку-спекулянтку, — «Рассказ о Турции» и «Сомов и другие».

В 1951 году Раневская становится лауреатом сразу двух Сталинских премий: II степени — за роль Агриппины Солнцевой в спектакле «Рассвет над Москвой» — и III степени — за исполнение роли фрау Вурст в фильме «У них есть Родина».

В 1956 году Раневская переходит в Театр имени Пушкина, а в 1964 году окончательно возвращается на сцену Театра имени Моссовета. Играет Марию Александровну в спектакле «Дядюшкин сон» по Достоевскому, заглавную героиню в «Странной миссис Сэвидж» Джона Патрика, героинь Островского — Глафиру Фирсовну в «Последней жертве» и Филициату в «Правда — хорошо, а счастье лучше».

В спектакле «Дальше — тишина» Фаина Раневская вместе с Ростиславом Пляттом составили легендарный дуэт, сыграв двух пожилых людей, которых на закате жизни разлучают их собственные дети.

Ролей было не так уж много, но каждая из них — настоящая драгоценность.

То же можно сказать и о киноработах актрисы, вне зависимости от того главная ли это роль или эпизод. Это — Мадам Роза в «Мечте», Пианистка в «Александре Пархоменко», Маргарита Львовна в «Весне», Мачеха в «Золушке», и чеховские Жена начальника школы в «Человеке в футляре», Мать невесты в «Свадьбе» и неповторимая Мурашкина в «Драме».

Рассказать в полной мере о масштабе таланта и личности Раневской невозможно.

Сергей Юрский так говорил о Фаине Георгиевне, сыгравшей свою последнюю роль на сцене Театра имени Моссовета в его спектакле «Правда — хорошо, а счастье лучше»:

«Каждая встреча с ней, а их немало было за эти годы, отпечаталась в памяти. Ее личность, ее жизнь, ее влияние — драгоценны. Помню, как она молчаливо велела не прикасаться к великому, не ворошить, оставить целостным, нетронутым. Она и сама великая не захотела рассказать о себе. Я знаю немногое из ее огромной жизни. Кто знает больше, пусть расскажет больше. Кто сможет, пусть промолчит и тем лучше исполнит ее невысказанную волю».

Анатолий Михайлович Адоскин

народный артист Российской Федерации

23 ноября 1927–20 марта 2019

Анатолий Михайлович Адоскин родился 23 ноября 1927 года в Москве. С ранних лет он любил музыку и хотел стать оперным певцом. Но родители не одобряли его выбор, и в 1942 году он поступил в автотранспортный техникум, куда его буквально за руку отвел отец. Проучившись в техникуме год, Анатолий Адоскин забрал документы и твердо решил посвятить свою жизнь искусству. Но в это военное время 14-летний Толя вынужден был устроиться на часовой завод, который, как и все предприятия в тот период, работает на оборону, изготавливая мины.

Мечта о театре не оставляет его, и в 17 лет Адоскин поступает в Студию Юрия Александровича Завадского при Театре Моссовета, а в 1948 году после окончания студии молодого актера зачисляют в труппу Театра Моссовета. Вскоре зрители и театральные критики заговорят о том, что в театре появился молодой талантливый артист, равно интересный в ролях классического и современного репертуара.

Проработав более двадцати лет в Театре имени Моссовета, в 1961 Анатолий Адоскин переходит в «Современник», которым в те годы руководит Олег Ефремов, а еще через два года — в Театр имени Ленинского комсомола к Анатолию Эфросу, с которым актера связывала тесная дружба еще со времен Студии.

В 1968 году Анатолий Михайлович Адоскин возвращается к своему учителю Юрию Александровичу Завадскому в Театр Моссовета. Здесь он сыграл около 70-ти разноплановых, непохожих друг на друга ролей, тщательно и подробно «разрабатывая» каждую роль, находя вместе с режиссером наиболее выразительные краски для создания характера персонажа, удивительно точную доверительную интонацию, искреннюю и не оставляющую равнодушным. Мастерство, высокое чувство ответственности, умение работать в ансамбле прослеживались в любой работе актера.

Помимо активной работы над созданием тех или иных образов в спектаклях, Анатолий Михайлович Адоскин был очень популярен в театральных кругах как неизменный участник знаменитых актерских «капустников», в которых он вместе со своим другом и партнером по сцене Борисом Владимировичем Ивановым выступал и как автор, и как исполнитель. Их репризы всегда отличались отменным юмором, отточенным мастерством, изобретательностью и пользовались большим успехом у зрителей.

Кинематографическая судьба Анатолия Адоскина также сложилась удачно. В его послужном списке более семидесяти киноработ, среди которых такие любимые зрителями фильмы как: «Два капитана», «Девчата», «Человек ниоткуда», «Операция «Трест», «Собака Баскервилей», «Семь стариков и одна девушка» и многие, многие другие.

На протяжении долгих лет служения театральному искусству судьба нередко сводила Анатолия Михайловича с замечательными людьми: партнерами по сцене — Фаиной Раневской, Ростиславом Пляттом, Любовью Орловой, Верой Марецкой; режиссерами Юрием Завадским, Анатолием Эфросом, Олегом Ефремовым; историком Натаном Эйдельманом, литературоведом Юрием Карякиным и многими другими. Все они стали героями его книги «Ах, если бы вы знали, если бы слышали...», вышедшей в издательстве «Р. Валент» в 2015 году. В неё вошли воспоминания, размышления, впечатления необыкновенно тонкого, деликатного, умного, многогранно талантливого человека, актера и философа.

Анатолий Михайлович Адоскин — один из основоположников жанра литературного театра на телевидении, автор 10-ти фильмов-спектаклей о жизни и творчестве поэтов пушкинской эпохи. Многомесячная работа в архивах, сотни просмотренных документов, и в результате — один за одним в Литературной редакции Центрального Телевидения, а затем на канале «Культура» выходят телевизионные спектакли, в которых Анатолий Михайлович выступает автором, исполнителем, историком и литературоведом, рассказывающем о творчестве и судьбах выдающихся поэтов пушкинской поры: Вильгельме Кюхельбекере, Иване Пущине, Александре Одоевском, Василии Жуковском, Евгении Баратынском, Владиславе Ходасевиче, Козьме Пруткове, а также о Царском селе.

Анатолий Михайлович Адоскин с его знаниями и «памятью сердца» всегда был безусловным нравственным камертоном в коллективе Театра Моссовета, хранителем его славных художественных традиций. Он относится к той категории людей, человеческое обаяние и авторитет которых способствуют созданию особой атмосферы творчества, интеллигентности, доверия и взаимной симпатии.

Осип Наумович Абдулов

народный артист РСФСР,

лауреат Сталинской премии

16 ноября 1900–14 июня 1953

Осип Абдулов родился в 1900-м году в городе Лодзь Царства Польского, входившего в то время в состав Российской империи. Отец был инженером-текстильщиком. В 1913 году семья переехала в Москву. В 1917 году поступил на юридический факультет Московского университета.

Творческая биография актера пестра и разнообразна. Сценическую деятельность он начинает в 1918 году в студии имени Шаляпина, где служит до 1923 года и где в 1919 году играет свою первую значительную роль — бродягу Грена в «Зелёном попугае» Артура Шницлера. Затем, в 1924–1925 годах Осип Абдулов выступает в ленинградском Театре имени Веры Федоровны Комиссаржевской, который в то время назывался Филиалом Госдрамы. Там в возрасте двадцати трех лет он играет Расплюева в «Свадьбе Кречинского» по пьесе Сухово-Кобылина, а позже — Крутицкого в спектакле «На всякого мудреца довольно простоты» по пьесе Островского.

С 1925 по 1926 год Абдулов служит во МХАТе, а в 1926–1927 годах — в Театре Сатиры. В течение следующего театрального сезона он работает в Государственной драматической показательной профессионально-клубной мастерской.

С 1929 по 1936 годы Осип Абдулов — актёр Театра-студии под руководством Юрия Завадского, куда он приходит уже настоящим мэтром и блистает в каждом из трех знаковых для студии спектаклей: «Волках и овцах» по пьесе Островского в роли Лыняева, «Школе неплательщиков» по комедии Луи Вернейля в роли Фромантеля и «Ученике дьявола» по пьесе Бернарда Шоу в роли генерала Бэргойна.

В 1936 году Абдулов переходит в Театр имени Всеволода Мейерхольда, однако после его закрытия в январе 1938 года, поступает в Театр Революции, где остается до 1942 года, а годом позже входит в труппу Театра Моссовета.

Здесь Осип Абдулов служит на протяжении десяти лет, до последних дней своей жизни, сыграв на сцене Театра Моссовета 14 ролей и почти все из них — в постановке художественного руководителя Юрия Завадского или в созданные Завадским в соавторстве с другими режиссерами. Среди них Сорин по чеховской «Чайке», Шмага в «Без вины виноватые» по пьесе Островского, Дядя Васа в «Госпоже министерше» по комедии Бранислава Нушича.

В остальном же это были роли в основном в советских пьесах, зачастую пропагандистского толка. Почти все они сегодня основательно забыты. Именно за участие в спектакле по одной из таких пьес — «Рассвет над Москвой» — Абдулов, как и несколько его коллег, удостоился Сталинской премии.

Помимо театра с классической русской и зарубежной прозой Осип Абдулов много работал на радио, куда пришел в 1924 году сначала в качестве актёра, а позднее и режиссера. Там он осуществил более 200 постановок радиоспектаклей, в том числе «Кола Брюньон» по повести Ромена Роллана, «Тартарен из Тараскона» по циклу романов Альфонса Доде, «Пиквикский клуб» по первому роману Чарльзя Диккенса, «Шинель» по повести Николая Гоголя, «Мальва» и «Макар Чудра» по произведениям Максима Горького и многие другие; организовал художественное вещание для детей.

В кино Осип Абдулов начал сниматься в 1933 году. Лучшие его роли — Джон Сильвер в «Острове сокровищ», Тарантулов в «Человеке в футляре», грек Дымба из «Свадьбы», Крашке в «Поединке», Шериф в «Серебристой пыли». Также он снимался в популярных советских фильмах «Светлый путь» Григория Александрова, «Свинарка и пастух» Ивана Пырьева, «Пятнадцатилетний капитан» Василия Журавлева и многих других.

С 1929 года Осип Наумович занимался педагогической деятельностью в Театре-студии Ю. Завадского, а затем в ГИТИСе.

В своей книге «Без эпилога» Ростислав Янович Плятт писал о своем друге Осипе Абдулове: «Вряд ли кто-нибудь из его многочисленных почитателей подозревал, что этот плотный, румяный, всегда элегантный, казалось, пышущий здоровьем и оптимизмом человек и артист всю жизнь боролся с тягчайшим для актера недугом — с детских лет в связи с инфекционным полиомиелитом его левая нога стала отставать в росте, и с юношеских лет и до конца дней своих он носил ее в тяжелом и сложном протезе. И — случай в театре, по-моему, беспрецедентный — зрители всегда восторженно принимали Абдулова именно таким, каким он был, — с хромающей походкой. Мало того, он умудрялся свою хромоту делать как бы физическим свойством играемого образа. А драматург Крон, желая заманить Абдулова на одну из ролей в своей комедии „Второе дыхание“, специально для него вписал в роль хромоту! Словом, жизнь — подвиг».

Любовь Петровна Орлова

народная артистка СССР,

лауреат двух Сталинских премий СССР

11 февраля 1902–26 января 1975

Легендарная актриса советского экрана. Фильмы с ее участием — «Веселые ребята», «Волга-Волга», «Весна», «Цирк» — в постановке ее мужа, выдающегося кинорежиссера Григория Александрова, стали классикой отечественного кино и принесли Орловой невероятную популярность.

Дворянка по происхождению, дальняя родственница Льва Толстого, Орлова не раз воплощала на экране образы простых, даже деревенских девушек, добивающихся успеха, благодаря бойкому характеру и природной одаренности. А в фильме «Светлый путь» Любовь Орлова и Григорий Александров рассказали историю советской Золушки, проходящей путь от неграмотной девчонки до передовой ткачихи, награжденной орденом Ленина.

Большинство фильмов с участием Любови Петровны были музыкальными: она играла поющих, танцующих, сочиняющих музыку домработниц и почтальонш, артисток цирка и мюзик-холла. Что неудивительно, ведь этому времени у нее за спиной уже были Московская консерватория, хореографическое отделение Театрального техникума и работа в Музыкальном театре Немировича-Данченко, где она исполняла партии в опереттах, комических операх и водевилях.

В 1947 году Любовь Орлова дебютировала в драматическом спектакле «Русский вопрос» по пьесе Константина Симонова на сцене Театра имени Моссовета, а в 1955 году была приглашена в его труппу.

Здесь Орлова сыграла четыре роли, каждая из которых стала ярким событием жизни театра. Это — Лидия в спектакле «Сомов и другие» по пьесе Максима Горького, Лиззи в «Лиззи Мак-Кей» по пьесе Жана-Поля Сартра «Добродетельная проститутка», а также роль великой английской актрисы Патрик Кэмпбелл в спектакле «Милый Лжец» по пьесе Джона Килти. Этот спектакль был поставлен Григорием Александровым, а партнером актрисы стал Ростислав Плятт, сыгравший Бернарда Шоу. Роли Любови Орловой в Театре имени Моссовета были значительные и яркие, требовавшие большого драматического дара и мастерства, которая она блестяще демонстрировала на сцене. Последней ее работой в театре стал спектакль по пьесе Джона Патрика «Странная миссис Сэвидж», где она исполнила заглавную роль миссис Сэвидж, которую ей передала Фаина Георгиевна Раневская.

Любовь Петровна Орлова была одной из самых ярких звезд на всем советском пространстве, недаром в 1972 году в Крымской астрофизической обсерватории была открыта Малая планета, названная в ее честь под именем «Любовь».

Борис Юльевич Оленин

народный артист РСФСР,

лауреат Сталинской премии.

12 декабря 1903–27 марта 1961

Борис Оленин — настоящая фамилия Гиршман — родился 12 декабря 1903 года в Одессе. Учился в Художественно-театральной студии Веры Барановской, воспитанницы и актрисы Московского Художественного Театра. Театральную деятельность начал в 1925 году в качестве сотрудника МХТ, где проработал четыре года.

В 1929 году Борис Оленин становится одним из основателей Московского рабочего художественного театра — МРХТ — в котором служит до 1937 года в качестве актёра и режиссёра и где, будучи молодым актером, играет возрастные роли — Крутицкого в спектакле «На всякого мудреца довольно простоты» по пьесе Александра Островского и профессора Бородина в «Страхе» по пьесе Александра Афиногенова. В 1937 году переходит в Театр имени МОСПС, который годом позже получает название Театра имени Моссовета. В 1938–1942 годах Борис Оленин выступает на сцене Театра имени Ленинского комсомола, а в 1942 году возвращается в Театр имени Моссовета, где служит до последних дней своей жизни.

За девятнадцать лет работы на сцене Театра имени Моссовета Борис Юльевич сыграл около двадцати ролей, в том числе в таких культовых спектаклях Юрия Завадского, как лермонтовский «Маскарад» и шекспировский «Отелло». Также среди драматических ролей актера — Доктор Ранк в «Норе» по пьесе Генрика Ибсена, Филиберт в «Забавном случае» по комедии Карло Гольдони, Сенатор Кларк в «Лиззи Маккей» по пьесе Жана-Поля Сартра «Добродетельная проститутка», Наполеон I в «Катрин Лефевр» по пьесе Викторьена Сарду и Эмиля Моро, капитан Шипов в «Бранденбургских воротах» по пьесе Михаила Светлова, Макферсон в «Русском вопросе» по пьесе Константина Симонова. Товарищ Степанян в спектакле «Рассвет над Москвой» по пьесе Анатолия Сурова — роль, за которую Борис Оленин был удостоен Сталинской премии, а его партнерами по сцене были Фаина Раневская, Вера Марецкая, Николай Мордвинов, Осип Абдулов.

Среди киноролей Бориса Юльевича в кино — Жан-Жак Пелисье в знаменитом фильме Всеволода Пудовкина «Адмирал Нахимов». Помимо кино он работал в дубляже: одним из зарубежных артистов, говоривших его голосом в советском прокате, был Жан Габен.

Борис Юльевич Оленин рано ушел из жизни, в возрасте 58 лет, во Всемирный день театра 27 марта 1961 года — в тот самый год, когда этот международный праздник был утвержден и отмечался впервые.

Серафима Германовна Бирман

Народная артистка РСФСР,

лауреат Сталинской премии

10 августа 1890–11 мая 1976

Родилась в Кишиневе. Окончила частные «Курсы драмы Адашева», где преподавали актеры МХТ и легендарный «Сулер» — сподвижник К.С.Станиславского, режиссер и педагог Леопольд Антонович Сулержицкий.

С 1911 по 1913 год Серафима Бирман — актриса Московского Художественного театра, где она дебютировала в роли Гортензии в спектакле «Хозяйка гостиницы» по пьесе Карло Гольдони, а затем сыграла Леночку Лобастову в «Смерти Пазухина» по мотивам комедии Салтыкова-Щедрина, Голос в пушкинском «Пире во время чумы», Девицу Перепелицыну в «Селе Степанчиково» по Достоевскому и другие роли.

Продолжая работать в Художественном театре, Серафима Бирман стала актрисой Первой студии МХТ, а затем — МХАТа II. Среди ролей в Первой студии, где ее партнером по сцене был Михаил Чехов: Госпожа Босс в «Гибели Надежды» по пьесе Гейерманса, а также Августа в «Празднике мира» по пьесе Гауптмана и Вдовствующая королева в «Эрике XIV» по пьесе Стриндберга, два последних спектакля — в постановке Евгения Вахтангова. В годы Первой мировой войны, будучи артисткой Первой студии МХТ, работала сестрой милосердия. В спектаклях МХАТа II играла в пьесах современных авторов — Афиногенова, Бабеля, Файко — а также в постановках по произведениям Салтыкова-Щедрина и Гюго.

Во МХАТе II в 1923 году Серафима Бирман дебютировала и как режиссер, поставив спектакль «Любовь — книга золотая» по комедии Алексея Толстого. В 1936-1938 годах после закрытия МХАТа II вместе с Иваном Берсеневым и Софьей Гиацинтовой работала в Театре МОСПС — ныне Театр Моссовета. Как потом вспоминала Бирман про коллег, «они поняли, что такое неакадемический театр — со своим зрителем, репертуаром и начальством; почувствовали не только иные организационные условия — что тоже немаловажно — но и совсем иное дыхание жизни».

За два года работы в МОСПС она поставила четыре спектакля: «Васса Железнова», где сама сыграла заглавную роль, «Каменный гость» по Пушкинским «Маленьким трагедиям», «Вечер памяти А. С. Пушкина» и «Сыновья» по пьесе Константина Финна.

В 1938 году Серафима Бирман стала одним из основателей Театра имени Ленинского комсомола, где помимо актерской работы активно занималась режиссурой, поставив спектакли: «Зыковы» по пьесе Максима Горького, «Живой труп» по пьесе Льва Толстого, «Сирано де Бержерак» по драме Эдмона Ростана, «Семья Ферелли теряет покой» по антифашистской драме Лилиан Хеллман, «Под каштанами Праги» и «Русский вопрос» по одноименным пьесам Константина Симонова.

В 1959 году Серафима Германовна вновь присоединилась к труппе Театра имени Моссовета — бывшего МОСПС. В свой второй приход она сыграла девять ролей, среди которых: Марья Васильевна Войницкая — в «Лешем» по пьесе Чехова, Сиделка Портер в спектакле «Орфей спускается в ад» по драме Теннесси Уильямса, Фтататита в «Цезаре и Клеопатре» по пьесе Бернарда Шоу, Софья Петровна Карпухина в «Дядюшкином сне» по повести Достоевского и другие. Последнюю премьеру на сцене Театра имени Моссовета она сыграла в 1970 году — за шесть лет до ухода из жизни.

Свою кинокарьеру Серафима Бирман начинала в немых комедиях, затем снималась в фильмах — «Безумный день», «Обыкновенный человек», «Дон Кихот» и многих других. Вершиной ее экранного творчества стала роль Ефросиньи Старицкой в фильме «Иван Грозный» Сергея Эйзенштейна.

Евсей Осипович Любимов-Ланской

Народный артист РСФСР

1883 — 1943

Народный артист Российской Федерации, с 1925 по 1940 год — директор и художественный руководитель Театра имени МГСПС, а затем — Театра имени Моссовета. Многие ошибочно считают его основателем этого театра. Евсей Осипович пришел в коллектив в 1923 году, когда передвижная труппа, организованная актером, режиссером и драматургом Сергеем Прокофьевым получила официальный статус.

К моменту прихода в театр МГСПС Евсей Любимов-Ланской — его пышная фамилия это сценический псевдоним — был известным провинциальным актером. В начале 1900-х годов он учился в Харьковской театральной школе, впервые выступил на сцене в 1904 году в городе Осташков. В 1906-1907 годах играл в Харьковской труппе Александры Дюковой, где его партнерами были знаменитые на всю Россию артисты Мамонт Дальский и Павел Самойлов. В дореволюционные годы служил в театрах Кишинева, Тифлиса, Нижнего Новгорода, Орла, Воронежа, Самары, Саратова, Казани, Киева, Одессы. Среди его ролей — Фамусов, Городничий, Фрол Федулыч, Франц Моор, Царь Эдип, Ричард III, Шейлок.

к режиссуре Любимов-Ланской обратился впервые в Херсоне, где в 1914 году возглавил Товарищество актёров. Позднее руководил творческими коллективами в Батуми, Сухуми, Баку, где организовал Первую рабочую студию; возглавлял театры в Астрахани, Саратове.

В 1923 году вступил в труппу Театра имени МГСПС. Здесь его первой режиссёрской работой стала ибсеновская «Нора» с Верой Поповой в заглавной роли, актрисой бывшего Театра Корша.

Возглавив в 1925 году Театр имени МГСПС, Любимов-Ланской, любивший, как пишет о нем в своих воспоминаниях режиссер Борис Голубовский, «старый репертуар с открытыми жанрами, огнедышащим темпераментом, мелодраму, яркие краски», сыграл выдающуюся роль в утверждении на сцене советской драматургии. Его деятельность во главе театра была исполнена гражданственности и страстной идейной целеустремлённости. Он стал создателем первых реалистических революционных спектаклей. Этапным в истории советского театра был поставленный Любимовым-Ланским в 1925 году «Шторм» Билль-Белоцерковского, проникнутый революционной романтикой. Он же первым поставил «Цемент» Гладкова, «Мятеж» Фурманова и Поливанова, «Рельсы гудят» и «Город ветров» Киршона, «Ярость» Яновского и другие. Отличительные черты постановок Любимого-Ланского — строгая, точная фиксация жизни, документальность и, в то же время, агитационность. Любимов-Ланской называл руководимый им театр «театром «социальной правды», а его реализм — «реализмом пристрастным, язвительным, острым, классово-трезвым». Он добивался публицистической остроты, обнаженности социальных характеристик персонажей спектакля; тонкие нюансы переживаний героев, их психология вне революционной борьбы его не интересовали. Уделяя пристальное внимание постановке массовых сцен, Любимов-Ланской подчеркивал необходимость выявить и создать определенный конфликт для массы, столкнуть в нем разного рода враждебные друг другу стихии, а также заразить народную массу темпераментом, увлечь пламенным революционным энтузиазмом. Тем не менее, как пишет тот же Голубовский, репутация провинциала тянулась за ним всю жизнь, упоминалась чаще за спиной, а иногда и в глаза, сквозила в рецензиях, в отношении к нему столичных коллег: «провинциальный режиссер», «провинциальный театр». От таких ярлыков трудно отделаться.

Среди спектаклей, поставленных Любимовым-Ланским: «Георгий Гапон» Шаповеленко, «Штиль, или Жизнь зовет» Биль-Белоцерковского, «Константин Терехин, или Ржавчина» Киршона и Успенского, «1905 год» Гандурина, «Опшеронская ночь» Никитина, «Фландрия» Сарду.

Евсей Осипович участвовал в спектаклях и как актер. Одни из лучших ролей Любимова-Ланского на сцене Театра имени МГСПС, а затем Театра Моссовета — заглавный герой в «Профессор Мамлок», Чадов в «Жизнь зовет», Полежаев — «Беспокойная старость» Рахманова, Окаёмов в «Машеньке» в постановке Юрия Завадского, сменившего Любимого-Ланского на посту руководителя театра.

Покинув Театр имени Моссовета, Евсей Осипович вступил в труппу Малого театра. Ушел из жизни в 1943 году.

Геннадий Леонидович Бортников

народный артист России

1 апреля 1939 — 24 марта 2007

Актер Театра имени Моссовета. Выпускник Школы-студии МХАТ, кумир театральной Москвы 60-70-х годов, один из артистов, сломавших представления о том, каким должен быть современный герой на советской сцене.

Его дебют в Театре Моссовета в спектакле по пьесе Виктора Розова «В дороге» в постановке Ирины Анисимовой-Вульф имел ошеломляющий успех. Геннадий Бортников и Нина Дробышева, игравшие юных героев, переворачивали представления о положительном образе молодого человека. Игра Бортникова, обладавшего уникальной актерской индивидуальностью, как магнит притягивала к себе внимание и сердца зрителей. Его рефлексирующие, проникнутые духом волюнтаризма, свободолюбивые персонажи, обладали невероятным обаянием и мощной силой воздействия на тех, кому посчастливилось попасть на спектакли с его участием. Подобных толп поклонниц, ожидающих своего кумира у служебного входа, как у Бортникова, не было ни у одного драматического артиста. Схожим обожанием могли похвастаться, разве что, оперные тенора.

Такие постановки как «Глазами клоуна», где Бортников сыграл свою культовую роль Ганса Шнира, а также выступил как автор сценической редакции романа Генриха Беля и один из режиссеров спектакля, оказали огромное влияние на умы молодежи своего времени, помогли формированию ее художественного вкуса. Его Раскольников в легендарном спектакле Юрия Завадского «Петербургские сновидения» по роману «Преступление и наказание» вошел в историю отечественного театра как одно из лучших воплощений героя Достоевского.

В послужном списке Геннадия Бортникова не так много ролей. Он сыграл Сергея Сорокина в спектакле «Затейник», Эраста Небогатова в постановке «Аплодисменты» своей театральной крестной матери Ирины Анисимовой-Вульф, поручика Говоруху-Отрока в «Поющих в песках» по «Сорок первому» Бориса Лавренева, Дульчина в «Последней жертве», Смердякова и Черта в «Братьях Карамазовых» и еще около десятка ролей. Бортников прекрасно рисовал, пробовал свои силы как театральный художник, оформил свой моноспектакль «Последняя лента Крэппа».

Но все-таки звездный час этого уникального артиста остался в его блистательной театральной молодости. Он был протагонистом и последним романтиком отечественной сцены. Времена менялись, и его свободолюбивая, не укладывающаяся в рамки обыденного индивидуальность уже не была так востребована. Когда Театр имени Моссовета гастролировал в Париже, французская пресса писала об актере-Бортникове, что над Парижем пролетела тень Жерара Филипа...

Рассказывает Юрий Беркун:

«Я проработал с Геннадием Леонидовичем Бортниковым десятки лет. Что можно сказать? Бывают артисты хорошие, бывают артисты очень хорошие. А бывают, что называется, явления в искусстве. На мой взгляд, Геннадий Леонидович Бортников — явление. Ни на что не похожее, абсолютно замечательное и неподражаемое».

Леонид Васильевич Марков

народный артист СССР

13 декабря 1927–1 марта 1991

Обладатель мощной харизмы, воплощение настоящего мужчины на сцене и экране. У него были внешность настоящего русского трагика и бешеный темперамент. Даже, когда его герои проявляли слабость, они излучали силу.

В Театр имени Моссовета Леонид Марков пришел в середине шестидесятых годов, успев до этого без малого два десятилетия поработать на сценах Театра имени Ленинского комсомола, студию при котором окончил, и в московском Театре имени Пушкина.

Но настоящего расцвета талант актера достиг в стенах Театра имени Моссовета. Свои главные театральные роли он сыграл именно здесь — Звягинцева в «Они сражались за Родину», Арбенина в «Маскараде», Порфирия Петровича в «Петербургских сновидениях», Графа Орлова в «Царской охоте», Федора Протасова в «Живом трупе», Егора Булычева в одноименной пьесе, сделавшей его одним из самых узнаваемых артистов столицы. Также в силу своей внешности Марков часто играл роли советских генералов, парторгов, коммунистов и вместе с тем — классических героев-любовников и аристократов.

Его Порфирий Петрович стал ярчайшей страницей богатой истории сценических воплощений этого образа. Дуэт Леонида Маркова и Геннадия Бортникова, игравшего Раскольникова, стал классикой отечественного театра. Градус напряжения, возникавший в эпизодах допроса, доходил до предельных величин. Невероятная многогранность артистической палитры в сочетании с огненным холерическим темпераментом позволяли актеру создавать масштабные и психологически сложные образы. Такими были его Арбенин и Протасов, роли которых он мечтал сыграть с юности, и монументальный граф Орлов, предавший свою возлюбленную и терзаемый муками совести. Эти роли были высотами актерского таланта и выразительности. Широкую популярность актеру принес, как ни странно, даже не киноэкран, а популярный телевизионный сериал «Следствие ведут знатоки». В деле под названием «Побег» Леонид Марков с такой убедительностью и таким драматизмом сыграл беглого преступника, осужденного за злостное хулиганство, что этот далеко неоднозначный персонаж вызывал зрительские симпатии и открыл актеру дорогу в большое кино — предложения сниматься посыпались одно за другим. Среди киноработ актера — такие любимые зрителем фильмы как «Красное и черное» Сергея Герасимова, «Мой ласковый и нежный зверь» Эмиля Лотяну, «Гараж» Эльдара Рязанова и многие другие.

Леонид Марков прожил яркую, но не очень долгую жизнь. Он ушел из жизни в 63 года, не успев сыграть еще множество ролей. Но как сказал на похоронах актера автор «Царской охоты» Леонид Зорин: «Он был из тех, кто не создан для старости, еще больше он страшился старения, и можно было его понять — такой темперамент, такое неистовство не могут смириться с уздою возраста, с угрозой немощи и зависимости».

Рассказывает заслуженный артист России Леонид Евтифьев:

«Для Маркова не существовало ампула, он мог быть и трагиком, и острохарактерным артистом и ярко комедийным лицедеем, но всегда разным, неповторимым воплощением играемых персонажей. Театр в его жизни был всем. Помню в дружеской домашней беседе он обмолвился: «Знаешь, если судьба вдруг отнимет у меня театр — я умру. Как это было сказано... Негромко, но так до слез искренне...

Его творческим кредо было не просто хорошо сделать роль, а удивить зрителя. Роль забирала его целиком, со всеми потрохами — он заболевал ею — она вертелась, обдумывалась, заполняла его душу и разум на все 24 часа в сутках. Зритель ценил и любил его, потому что своей игрой он проникал в сердце, сознание, в самые затаенные закоулочки человеческого нутра, потрясал людей, и они уходили с ярким послевкусием от увиденного. Доброжелательный, щедрый на угощения, на теплые подбадривающие слова, умеющий подсказать на репетиции партнеру интересную деталь, интонацию — это и огромное чувство юмора чрезвычайно красили Леонида Васильевича. Он прожил несправедливо мало, 63 года, но это была наполненная редким, удивительным творчеством яркая жизнь».

Александр Сергеевич Леньков

народный артист России

17 мая 1943–21 апреля 2014

С юных лет жизнь этого замечательного артиста была связана с Театром имени Моссовета, на сцену которого он впервые вышел мальчишкой в постановке Анисимовой-Вульф «Студент третьего курса». А вскоре сыграл в спектакле «Кража» Джека Лондона с Верой Петровной Марецкой. Затем была легендарная студия Юрия Завадского при Театре имени Моссовета, в труппу которого он был принят в 1964 году сразу после окончания учебы.

Сокурсниками Александра Ленькова были: Маргарита Терехова, Юрий Кузьменков, Борис Щедрин, Вячеслав Бутенко, Елена Козелькова и другие. Дипломный спектакль студии «Театр Гарсиа Лорки», поставленный Борисом Щедриным и оформленный Александром Леньковым, выступившим в качестве художника, бегала смотреть вся театральная Москва. Здесь Леньков, о котором сразу заговорили, как об актере без амплуа, сыграл двух стариков — фарсового дона Кристобаля и трагического дона Пирлимплина, а также одного из Арлекинов, тормошивших зрителей, заставляя их включиться в театральную игру. Устоять перед озорным обаянием актера Ленькова и его лицедейским азартом не мог никто. Ему были подвластны и стихия балагана, и трагедия, и гиньоль, и высокая лирика. Как писали о нем критики, «для него нет «трудного» или «чужого жанра», «невыполнимой мизансцены».

Павел Осипович Хомский, возглавлявший театр имени Моссовета на протяжении тридцати лет, говорил об Александре Ленькове: «Ему можно ставить любые задачи. Поставить его вверх ногами, он будет вверх ногами. Если он считает, что это интересно, выразительно и художественно необходимо — пожалуйста! Будет стоять на голове и не пожалуется, и не будет говорить «мне неудобно».

Благодаря невероятной, почти балетной пластичности, Леньков мог выразить телом практически все, как и голосом, которым он умел передавать широчайший спектр эмоций, создавать полноценные характеры. Недаром он блистательно озвучил множество мультфильмов, любимых миллионами детей. Востребованный в кино, на радио и телевидении, занимающийся преподавательской деятельностью, Леньков всегда был плотно занят в репертуаре театра, где сыграл около семидесяти самых разноплановых ролей.

Без его замечательных работ невозможно представить себе такие легендарные постановки на сцене Театра имени Моссовета, как «Петербургские сновидения» и «Василий Теркин», «Царская охота», «Эдит Пиаф» и многие-многие другие. К числу лучших сценических созданий Александра Сергеевича можно отнести Короля Лока в «Пчелке», Гарри и Селздона в «Шуме за сценой», Дорна в «Чайке», Крутицкого в «Не было ни гроша, да вдруг алтын», Виктора в «Канотье», Энрика в «Школе жен», Даму Плюш в «Любовью не шутят», Сэра Тоби в «Двенадцатой ночи», Фессара в «Не шутите мадам», Року «В пространстве Теннесси У.», Расплюева в «Свадьбе Кречинского», Матвея в «Серебряном веке», Ферапонта в «Трех сестрах», Илико в «Я, бабушка, Илико и Илларион».

Яркое актерское дарование, природная органика, способность и любовь к импровизации, легкость и свобода жанровых перевоплощений, виртуозная пластичность и эмоциональность делали актера ярким и интересным и в комедии, и драме, позволяя в каждой роли, даже эпизодической, быть многогранным, запоминающимся, зачастую расширяя рисунок роли, делая его мощнее и красочнее. Критики называли Ленькова «трагическим клоуном», «русским Чаплином». Ему удалось создать собирательный образ одного из главных персонажей русского искусства — образ «маленького человека», в котором воплотилось богатство человеческой личности, переплелись все противоречия мира, трагическое и комическое, мудрое и смешное.

Коллеги по театру называли его «домовым», хранителем традиций нашего общего театрального дома и очень любили. Это тот редкий для творческого организма случай, когда можно сказать: прекрасного актера и удивительного человека Александра Сергеевича Ленькова в коллективе любили все, без исключений.

Рассказывает заслуженный артист России Леонид Фомин:

«Он был хранителем театральных традиций, которые шли от Завадского, Марецкой, Мордвинова, Плятта, тех, кого мы считаем основоположниками театра. Для него они были полубоги. Его отношение к педагогам Константину Константиновичу Михайлову, Анатолию Ивановичу Баранцеву, Сергею Сергеевичу Цейцу — всегда было почтительным, он всегда о них помнил. Если смотреть на тот театр, в котором мы сейчас служим, его очень не хватает, как творческой его сути, так и человеческой. Говорят, что нет незаменимых людей, нет есть: Саша незаменимый, он остался в театре навсегда — он остался ангелом- хранителем этого театра».

Сергей Юрьевич Юрский

Народный артист России

16 марта 1935–8 февраля 2019

Одна из самых ярких фигур отечественной сцены, актер Театра имени Моссовета — так формально пишут о нем в Интернете.

В Театр имени Моссовета Сергей Юрский пришел в 1978 году, покинув Ленинград из-за конфликта с партийными властями города и оставив за плечами 20 лет плодотворной творческой работы на сцене знаменитого БДТ под руководством Георгия Товстоногова. В Театре имени Моссовета он сыграл 11 спектаклей, 7 из которых поставил сам, а 3 из них — по собственным пьесам, написанным под загадочным псевдонимом Игорь Вацетис. Его спектакли всегда были мощным высказыванием на тему современной жизни и окружающего нас мира, его сложности и пороков.

Таких людей как Сергей Юрьевич уже практически не осталось. Это люди ренессансного масштаба, талантливые во всем. Актер, режиссер, писатель, поэт, муж, отец, дедушка — ну что можно еще добавить? Для меня лично он — знак качества. Каким бы интеллигентно упертым и несговорчивым он не был, если в чем-то участвует Юрский, значит это точно талантливо, ново, интересно и профессионально. Мне повезло работать с Сергеем Юрьевичем и как с актером, и как с режиссером — и то, и другое мучительно, поразительно, благодарственно, восхитительно, изумительно и неповторимо. Если ты вместе с Юрским, ты всегда в хорошей компании и быть рядом с ним — это привилегия и большое везение. Вот мне — актеру Александру Филиппенко — повезло. Спасибо ему за это!

И вот цитата Сергея Юрьевича, с которой я совершенно согласен:

«Вообще то, что происходит сегодня, с тем, что происходило раньше, имеет очень мало сходства. Я — другой человек, у меня другой возраст, у меня другое отношение к окружающему миру, и мир вокруг меня не имеет ничего общего с тем, что было раньше. Но я-то оттуда. И принимать вынужден все. Да, все. Потому что это не мое время, это время нового поколения — им творить, им властвовать, им терпеть, им выбирать».

Ирина Павловна Карташева

народная артистка России

4 ноября 1922–14 мая 2017

Ирина Павловна Карташева — петербурженка, красавица и одна из самых востребованных актрис Театра имени Моссовета в советском периоде — родилась 4 ноября 1922 года.

Около двух лет Ирина Карташева проучилась в Ленинградском хореографическом училище, откуда была вынуждена уйти по состоянию здоровья. В 1934 году был арестован ее отец, а мать, как жена репрессированного, была отправлена в ссылку в Самару, куда дочь последовала за ней. В 1940 году она возвращается в родной город и поступает в Ленинградский театральный институт, где успевает проучиться два года. Учеба была прервана войной, в годы которой Ирина Карташева работала почтальоном в госпитале в Саранске, а также выступала перед бойцами действующей армии в составе концертной бригады Мордовского государственного музыкально-драматического театра.

В Театр имени Моссовета Ирина Карташева поступает в 1947 году. Узнав, что Завадский ищет исполнительницу на роль Дездемоны, она приезжает в Москву, проходит пробы и успешно дебютирует в шекспировском «Отелло». Юрий Александрович принимает молодую актрису в труппу и помогает ей получить разрешение на проживание в столице для ее матери — жены врага народа. За это молодая актриса была благодарна ему всю жизнь.

За 70 лет работы в Театре имени Моссовета Ирина Павловна Карташева создала целую галерею ярких образов, среди которых такие знаковые героини как Баронесса Штраль в культовом «Маскараде» Юрия Завадского, Регана в «Короле Лире», Катерина Ивановна в «Петербургских сновидениях» и многие другие.

Особым этапом творческой жизни актрисы стало сотрудничество с режиссером Андреем Кончаловским. Она сыграла в двух спектаклях его чеховской трилогии: «Дядя Ваня» и «Три сестры».

А благодаря филигранному владению голосом, Ирина Павловна была блистательной актрисой дубляжа, озвучившей более 300 фильмов. Ее голосом говорили Элизабет Тейлор, Кэтрин Хепберн, Наташа Пэрри, Марина Влади, Даниэль Дарье, Анни Жирардо, Брижит Бардо, Николь Курсель, Одри Хепберн, Ава Гарднер.

Ирина Карташева ушла из жизни в возрасте 94 лет и почти до последнего выходила на сцену родного театра. Мудрый, доброжелательный, не знающий чувства зависти и обладающий прекрасным чувством юмора человек, Ирина Павловна пользовалась в театре всеобщей любовью и уважением. А ее брак с актером моссоветовской труппы заслуженным артистом России Михаилом Погоржельским, с которым они прожили 46 лет, был удивительным по своей гармонии и красоте семейным союзом.

Ирина Сергеевна

Анисимова-Вульф

Народная артистка РСФСР,

Заслуженный деятель искусств РСФСР,

актриса, режиссер, педагог,

верный соратник Юрия Александровича Завадского.

31 декабря 1906–9 мая 1972

Ирина Сергеевна родилась в Москве в 1907-м году, в театральной семье. Ее отец был антрепренером, мать — Павла Леонтьевна Вульф, известная провинциальная актриса, ставшая впоследствии заслуженной артисткой РСФСР.

Свой творческий путь Ирина Анисимова-Вульф начала как актриса в 1925 году во МХАТе, а затем стала ассистентом режиссёра. В 1934 году она перешла в Театр-студию под руководством Юрия Александровича Завадского, затем в 1936-1938 годах работала в Ростовском театре драмы, куда отправилась после начавшегося движения по «переброске» молодых театров из столицы в крупные центры Советского Союза. Там Ирина Анисимова-Вульф сыграла Панову в «Любови Яровой», Герцогиню Мальборо в «Стакане воды», Софью в «Горе от ума». Здесь же, на ростовской сцене состоялся ее дебют как режиссера — она поставила «Беспокойную старость» по пьесе Леонида Рахманова.
В 1939 году Ирина Сергеевна начала преподавать в ГИТИСе, а в 1946 году стала режиссером Театра имени Моссовета, где ставила Шекспира, Уильямса, Горького, Розова, Сартра, Ибсена, Достоевского. С постановками Анисимовой-Вульф связаны многие актёрские удачи на сцене Театра имени Моссовета. Среди них Лизи, сыгранная Любовью Орловой в спектакле «Лиззи Мак-Кей» по пьесе «Добродетельная шлюха» Жана Поля Сартра и дебюты Нины Дробышевой и Геннадия Бортникова в спектакле «В дороге» по пьесе Виктора Розова.

Анисимова-Вульф была первым в Советском союзе режиссером, который поставил пьесу Теннесси Уильямса «Орфей спускается в ад». Роль Леди в одноименном спектакле исполнила Вера Марецкая.

Ирина Сергеевна любила артистов и умела работать с ними. Она была близким другом Фаины Раневской, с юных лет дружившей с ее матерью, Павлой Леонтьевной Вульф. Всю жизнь была рядом со своими товарищами по студии Завадского: Верой Марецкой, Ростиславом Пляттом, Осипом Абдуловым, Николаем Мордвиновым. Боготворила Бориса Пастернака, Владимира Васильева и Любовь Орлову. В ее «Дядюшкином сне» по Достоевскому были блестящие актерские работы Фаины Раневской и Веры Марецкой, игравших в очередь роль Марии Александровны Москалевой. Этот спектакль и другая постановка Анисимовой-Вульф — «В дороге» — были представлены французскому зрителю во время знаменитых гастролей Театра имени Моссовета 1965 года в Париже. Москалеву тогда сыграла Вера Петровна Марецкая, Фаина Георгиевна отказалась от поездки на гастроли в пользу коллеги.

В кино Ирина Сергеевна Анисимова-Вульф снялась только один раз. Но это была очень значительная работа — роль Войницкой в знаменитом фильме Андрея Кончаловского «Дядя Ваня», выпущенном в 1970 году.

За свою недолгую жизнь Ирина Сергеевна Анисимова-Вульф успела сыграть десятки ролей, поставить сорок спектаклей на театральной сцене, став одним из хранителей искусства и культуры, без которых никогда себя не мыслила.

Георгий Степанович Жженов

народный артист СССР
Лауреат Государственной премии РСФСР

22 марта 1915–8 декабря 2005

Актер театра и кино, литератор, общественный деятель; народный артист СССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. братьев Васильевых, кавалер ордена Ленина.

Георгий Степанович Жженов родился в Петрограде 22 марта 1915 года. Жизнь и творческий путь Георгия Степановича Жженова являются наглядным отражением тех сложных виражей истории, которыми так богата жизнь нашей страны. В 1932 году, закончив ленинградский эстрадно-цирковой техникум, он поступает в театральное училище в класс педагога Сергея Александровича Герасимова. После его окончания Георгий Жженов начинает свой творческий путь как артист киностудий «Ленфильм» и «Белгоскино». Но счастливо начавшаяся кинокарьера обрывается самым драматическим образом.

Дважды с перерывом в два года — с 1938 по 1946 год и с 1947 по 1954 год — актер был осужден по печально знаменитой «58-й статье» со всеми вытекающими последствиями: первый срок он отбывал в страшных лагерях Дальстроя НКВД под Магаданом, а второй — в заполярном Норильске. Последние два года своего срока Георгий Жженов уже был артистом Норильского Заполярного театра драмы имени Вл. Маяковского, где его партнерами по сцене были отбывающая срок Евдокия Урусова и вольнонаемный Иннокентий Смоктуновский, а художником театра — Ольга Бенуа.

Трудный и долгий путь прошел Георгий Жженов после реабилитации в 50-х годах: от человека, лишенного всех прав, до одного из самых популярных артистов театра и кино, всенародно любимого и всенародно признанного.

Вернувшись в Ленинград, он работает в областном драматическом театре, а затем в Театре имени Ленсовета, с азартом отдаваясь любимой профессии, играет много ролей русского и зарубежного репертуара. В 1968 году Юрий Александрович Завадский приглашает Георгия Жженова в труппу Театра имени Моссовета. И с этого времени творческая судьба и вся жизнь Георгия Степановича неразрывно связана с Москвой, с городом который стал для него родным. На сцене Театра имени Моссовета, он исполнил ряд значительных ролей, каждая из которых раскрывала новые грани его индивидуальности. Его игра при скупости внешних приемов всегда отличалась необыкновенно сильной внутренней концентрацией: ничего лишнего, ничего случайного — только точность, сдержанность и прицельное исследование сути образа. В этом был весь Жженов — актер высочайшего мастерства. И в театре, и в кино он всегда играл надежных, крепко стоящих на ногах мужчин, был значителен и немногословен. Сыгранные им герои без страха смотрели в лицо смерти, в них отсутствовал ложный пафос, но всегда была правда.

Счастливо сложилась и карьера артиста в кино. Хотя очень часто кинорежиссеры, приглашая Георгия Степановича на ту или иную роль, прежде всего рассчитывали на его актерское и человеческое обаяние, амплуа «надежного товарища». Георгий Жженов — один из самых популярных и узнаваемых артистов кино. На его счету около ста кинофильмов, многие из которых вошли в золотой фонд нашей культуры. В 2003 году артист стал героем шестисерийного документального фильма «Русский крест» о жизни и главных вехах его уникальной биографии.

Масштаб личности Георгия Жженова проявляется и в его литературном даровании. Он автор более десятка книг. Размышления о судьбе, о профессии, о встречах с интересными людьми — именно об этом пишет Георгий Степанович. Но есть среди его произведений совершенно особые — посвященные страшным годам лагерной жизни на Колыме и в заполярном Норильске: «От «Глухаря» до «Жар-птицы», «Омчагская долина», «Прожитое».

Человек большой внутренней энергии, Георгий Степанович много сил и времени отдавал общественной деятельности. Авторитет личности актера был настолько высок, что он много лет состоял членом Комиссии по помилованию при Президенте России, а с 2004 года — член созданного Совета при Президенте Российской Федерации по содействию развитию институтов гражданского общества и правам человека.

22 марта 2005 года Георгий Степанович отметил свой 90-летний юбилей на сцене Театра имени Моссовета, сыграв роль Нормана Тайлера в спектакле «На Золотом озере» по пьесе Эрнеста Томпсона.

Людмила Викторовна Шапошникова

народная артистка СССР

13 августа 1921–13 декабря 2003

Людмила Шапошникова родилась 13 августа 1921 года в Москве. Ее большой творческий путь начинается в 1941 году, когда в возрасте 19 лет она поступает в Государственный институт театрального искусства имени А.В. Луначарского — ГИТИС — и параллельно с учебой сразу становится активной участницей созданной в институте фронтовой концертной бригады. Актерское мастерство она постигает не только в аудиториях и репетиционных залах института, но и во время многочисленных выступлений перед солдатами и офицерами действующей армии Центрального фронта.

В 1944 году после окончания театрального института Людмила Шапошникова была принята в труппу Театра имени Моссовета и, уже играя в спектаклях театра, оставалась в составе концертной бригады, выступая перед моряками Черноморской и Северной флотилий. Несмотря на то, что в ее трудовой книжке в графе «место работы» стоит всего одна запись — Театр имени Моссовета, судьба подарила актрисе долгую и творчески насыщенную жизнь. Она играла в спектаклях таких режиссеров, как Юрий Завадский, Павел Хомский, Борис Щедрин, Роман Виктюк, каждый из которых по-своему способствовал становлению ее актерского мастерства. Среди созданных ею образов классического и современного репертуара нельзя не отметить такие роли, как Сусанна Сергеевна Лундышева в «Красавец мужчина» по пьесе Островского, Гонерилья в «Короле Лире» по одноименной пьесе Шекспира, Соня в «Лешем» по пьесе Чехова, Этель Сэвидж в «Странной миссис Сэвидж» Патрика, Госпожа Шнир в «Глазами клоуна» по Бёллю, Софья Марковна в «Старике» Горького, Екатерина II в «Царской охоте» Зорина, Мелания в «Егор Булычев и другие» Горького, Леди Брэкнелл в «Как важно быть серьезным» Уайльда. Ее последней работой на сцене Театра имени Моссовета стала роль Этель Тэйер в спектакле «На Золотом озере» Томпсона в постановке Бориса Щедрина, с Георгием Жженовым в роли ее мужа Нормана Тэйера.

На сцене Театра имени Моссовета Людмила Викторовна играла вместе со своим мужем — заслуженным артистом России Владимиром Федоровичем Гордеевым. Сегодня эту актерскую династию продолжает их сын — заслуженный артист России Виктор Владимирович Гордеев. Людмила Шапошникова проработала в театре имени Моссовета почти 60 лет и всегда была центром его творческой и общественной жизни.

Павел Осипович Хомский

Народный артист РСФСР,

лауреат Национальной театральной премии

«Золотая маска»,

художественный руководитель

Театра имени Моссовета с 1985 по 2016 год.

30 марта 1925–6 сентября 2016

Родился в Москве 30 марта 1925 года. В июне 1941 года после окончания 8 класса в составе комсомольской бригады строил оборонительные сооружения в Смоленской области, попал в окружение, выйдя из которого, переехал к родителям, эвакуированным в Томск. Здесь он закончил школу и поступил на актерский факультет эвакуированного туда же Ленинградского театрального института. В 1943-м году уже студентом второго курса ушел на фронт, воевал на Западном фронте, затем был откомандирован актером во фронтовой театр.

После окончания Великой Отечественной войны Павел Хомский продолжил учебу, окончил Оперно-драматическую студию имени Станиславского и Государственный театральный институт имени Луначарского — ГИТИС. Работал актером, режиссером, а затем главным режиссером в Латвии — Русском драматическом театре и Театре юного зрителя в Риге. В 1961 году возглавил Ленинградский театр имени Ленинского комсомола, где одним из первых в стране начал ставить пьесы Арбузова, Розова, Штейна, Светлова, Пановой.

В 1965 году Павел Осипович вернулся в Москву и возглавил Московский ТЮЗ, где поставил 16 спектаклей, многие из которых стали яркими событиями театральной жизни столицы. В 1973 году по приглашению Юрия Завадского Хомский пришел в Театр имени Моссовета в качестве режиссера-постановщика, в 1985 году был назначен его главным режиссером, а в 2000 году — художественным руководителем.

С первых же постановок стало понятно, что по-настоящему свое место Павел Хомский нашел именно в Театре имени Моссовета. Чуткий режиссер, который, оставаясь верным традициям прославленной труппы, привнес новую энергию в творческую деятельность знаменитого коллектива.

На сцене Театра имени Моссовета Павел Осипович Хомский поставил более сорока спектаклей. Он первым на российской сцене осуществил постановку рок-оперы Уэббера и Райса «Иисус Христос — суперзвезда», ставшую знаковым событием в истории отечественного театра. Уже более 30 лет она идет на Основной сцене с неизменным аншлагом.

После рок-оперы было еще несколько музыкальных спектаклей, в том числе «Странная история доктора Джекила и мистера Хайда» Брикусса и Уайлдхорна. Отличительной чертой почти всех постановок Хомского является их долголетие и неизменная любовь публики. Павел Осипович обладал очень точным «чувством» времени, помноженным на умение распознать в любом произведении вечные нестареющие темы.

Режиссер Павел Хомский — созидатель по своей сути. Где бы он ни работал, он строил свой театр — неизменно интеллигентный, современный и всегда очень разнообразный. Формировал репертуарную политику Театра имени Моссовета, приглашая на постановки режиссеров разных творческих школ и направлений. В годы его художественного руководства на сцене Театра имени Моссовета ставили — Петр Фоменко, Андрей Кончаловский, Юрий Еремин, Роман Виктюк, Марк Вайль, Леонид Хейфец, Сергей Юрский, Геннадий Тростянецкий, Гарри Черняховский, Борис Мильграм, Нина Чусова, Виктор Шамиров, Павел Сафонов, Марина Брусникина, Валерий Саркисов и многие другие.

Почти полвека Павел Осипович Хомский преподавал и вел свой актерский курс в ГИТИСе. Его ученики работают во многих известных театрах страны, в том числе, в Театре Моссовета. Высокая культура, огромное трудолюбие, тактичность, самодисциплина и бесконечный интерес к профессии, уважение к коллегам — вот те человеческие и профессиональные качества, которые делали Павла Осиповича одним из самых демократичных и толерантных руководителей и театральных педагогов. Трудно представить на его месте другого человека, которому удалось бы так же деликатно и талантливо сохранить неповторимую атмосферу Театра имени Моссовета, созданную ее основателями и приумноженную Юрием Завадским.

Вадим Борисович Бероев

заслуженный артист Российской Федерации

10 января 1937–28 декабря 1972

Вадим Бероев прожил короткую, но яркую и творчески насыщенную жизнь. Родился в небольшой деревушке Хумалаг, недалеко от Беслана. В годы войны его семья переехала во Владикавказ, а затем во Львов.

В 1954 году Вадим поступил в ГИТИС на курс народного артиста РСФСР Николая Васильевича Петрова. В 1958 году после окончания института был принят в труппу Театра имени Моссовета, где всегда был плотно занят в репертуаре. За четырнадцать лет Бероев сыграл на сцене Театра имени Моссовета более тридцати ролей. В большинстве своем это были его современники в советских пьесах. Среди них: Вадим в «Битве в пути» Галины Николаевой и Станислава Радзинского, Андрей Арефьев в «Суровой любви» Александра Чаковского, Лейтенант в «Василии Теркине» Александра Твардовского, Гриша в «Выгодном женихе» братьев Тур, Борис и Семен Семенович в «Ленинградском проспекте» Исидора Штока, Роман Скиба в «Обручальном кольце» Анатолия Софронова, Карташев, Управдом и Грустный моряк в «Первом свидании» Татьяны Сытиной, Игорь Лапшин в «Он живет рядом» Ильи Бражнина, Борис Аркатов в спектакле «Два вечера в мае» Полонского, Рябов Георгий Алексеевич в «Поезда расходятся» Ольшанского и Руднева, Слава Апухтин в «Аплодисментах» Штейна, Стрельцов «Они сражались за Родину» Шолохова, роль за которую актер удостоился звания Лауреата 1-ой премии Смотра театральной молодежи в честь 50-летия Великого Октября. Антуан де Сент-Экзюпери в спектакле по пьесе Леонида Малюгина «Жизнь Сент-Экзюпери».

Была в репертуаре актера, хоть и в меньшем количестве, классика и роли в пьесах зарубежных драматургов: Милон в «Недоросле» Фонвизина, Мозгляков в «Дядюшкином сне» Достоевского, Павел в горьковском «Старике», Санин в «Вешних водах» Тургенева, одна из лучших ролей актера на моссоветовской сцене — Звездич в «Маскараде» Лермонтова, Фентон и Слендер в «Виндзорских насмешницах» Шекспира, Аполлодор Сицилийский в «Цезаре и Клеопатре» Шоу, Ольховский в польской пьесе «Сверчок» Тадеуша Кожушника. К числу лучших театральных работ актера можно отнести и Джеффа в трагикомедии американского драматурга Джона Патрика «Странная миссис Сэвидж», где его партнершей была Фаина Раневская. Он был одним из артистов, кого Фаина Георгиевна любила. Бероев выводил Раневскую на поклоны в спектакле «Дядюшкин сон». Когда его не стало Фаина Георгиевна больше не стала играть «Странную миссис Сэвидж», она объяснила это так: «Любимый актер, прекрасный Вадим Бероев погиб, Сэвидж отдала Любови Орловой. Наверное, я не актриса».

С 1962 года Бероев одновременно с работой в театре вместе с женой, также актрисой Театра имени Моссовета, Эльвирой Бруновской работал на радиостанции «Юность».

А вот отношение с кинематографом у Вадима Борисовича сложились не сразу. Он снялся в фильмах «Телефонистка», «Самолеты не приземлились», «Наш дом» — где партнером Бероева был Анатолий Иванович Папанов — но особого успеха они ему не принесли. Подлинное признание и всесоюзную известность принес актеру полюбившийся зрителям трёхсерийный художественный телевизионный фильм «Майор Вихрь», рассказывающий о подвиге разведчиков во время Второй мировой войны, где Бероев сыграл главную роль. Одновременно с этим популярным сериалом в 1967-м году на киноэкраны вышел знаменитый фильм Глеба Панфилова «В огне брода нет» о годах гражданской войны, — где его партнершей стала прекрасная Инна Чурикова. Эта картина, в которой Вадиму Бероеву удалось создать яркий, запоминающийся образ художника из агитвагона Мастенко, получила главный приз «Золотой леопард» Международного кинофестиваля в Локарно.

До своего раннего ухода из жизни в возрасте тридцати пяти лет Вадим Бероев успел сняться еще в трех фильмах, в том числе и в главной роли в картине «Офицер флота». Но в памяти многих зрителей он навсегда остался «майором Вихрем». Он ушел непростительно рано, его мир не совпадал с его окружением. Актерскую династию Бероевых продолжили: его дочь — актриса Театра имени Моссовета Елена Бероева и его внуки — Егор и Дмитрий Бероевы.

Георгий Георгиевич Тараторкин

народный артист России

11 января 1945 — 4 февраля 2017

Ленинградец, выпускник театральной студии при Ленинградском театре юного зрителя имени Брянцева, ученик знаменитого режиссера и педагога Зиновия Корогодского пришел в труппу Театра имени Моссовета, будучи известным сложившимся актером.

На сцене ленинградского ТЮЗа, находившемся во второй половине шестидесятых — начале семидесятых годов на пике творческого взлета, Тараторкин играл главные и заглавные роли. В пушкинском «БорисеГодунове» — Бориса, в шекспировском «Гамлете» — Гамлета. Играл царей имятежников — Императора Николая Первого и Петра Шмидта в гремевших на весь Ленинград спектаклях Корогодского «Глоток свободы» Булата Окуджавы и «После казни прошу....» Вольфа Долгого. В роли лейтенанта Шмидта молодой актер имел грандиозный успех. Спектакль "После казни прошу...«производил незабываемое впечатление на ленинградских зрителей. А Тараторкин, игравший своего героя настоящим русским интеллигентом,прекрасным морским офицером, забрасывающим письмами свою любимую, романтиком, мечтателем, революционером, поднявшим флаг свободы на взбунтовавшемся корабле, стал кумиром юных ленинградских театралов.Увидев Тараторкина в этой роли, кинорежиссер Лев Кулиджанов пригласил его в свой фильм «Преступление и наказание» на роль Раскольникова, ставшей на долгие годы визитной карточкой актера и принесшей ему Государственную премию РСФСР имени братьев Васильевых.

Именно на эту роль в спектакле «Петербургские сновидения», у которой до этого момента был только один исполнитель — Геннадий Бортников, позвал Тараторкина в Театр имени Моссовета Юрий Александрович Завадский.

Умный, образованный, интеллигентный, с театральной школой Корогодскогоза плечами, обладающий прекрасными внешними данными артист отлично вписался в одну из лучших трупп Москвы, в которую входили великие Любовь Орлова и Фаина Раневская, а партнерами Тараторкина по сцене стали Ростислав Плятт, Вера Марецкая, Маргарита Терехова, Георгий Жженов, Михаил Погоржельский, Геннадий Бортников, Евгений Стеблов, Леонид Марков, Ольга Остроумова, а также — Наталья Тенякова, ИринаМуравьева, Ия Саввина, игравшие на моссоветовской сцене.

За сорок лет в театре имени Моссовета Георгий Георгиевич сыграл восемнадцать ролей. Из них многие не просто главные, а важные концептуально. Это — Стрельцов в «Они сражались за Родину», Александр Блок в «Версии», Иван в «Братьях Карамазовых», Каренин в «Живом трупе», адвокат Оскар Рольфе в «Суде над судьями», Виктор Франк в спектакле «Цена», Жюльен Палюш в «Не будите мадам», Иван Карено в «У врат царства», Виктор Михайлович в «Серебряном веке». Среди театральных героев Тараторкина — много ярких, мощных, пассионарных личностей.Некоторые из них сыграны вне моссоветовских стен — Ставрогин в спектакле «Бесы» по пьесе А. Камю «Одержимые» в московском Театре Пушкина и Адмирал в спектакле «Колчак» в Драматическом театра имени Охлопкова в Иркутске, куда актер летал из Москвы.

Последней работой Тараторкина на моссоветовской сцене стал Дион — римский поэт-диссидент в спектакле «Римская комедия. Дион», ставший чем-то вроде творческого завещания артиста. Его герой, интеллектуал, не способный лгать и приспосабливаться, один противостоял деспотичному императору Домициану, окруженному льстивыми, насквозь фальшивыми, корыстолюбивыми и трусливыми придворными. Как и в первом спектакле, принесшем ему славу, «После казни прошу...», внешнее поражение Диона — героя Тараторкина становилось победой — торжеством ума, таланта, чести, порядочности, бескомпромиссности над бездарностью, серостью и рабской психологией.

Эти качества были присущи Георгию Георгиевичу на всех поприщах его деятельности.

Долгие годы он был Президентом Национальной театральной премии «Золотая маска», оставаясь все тем же скромным, верным понятиям чести. За полвека своей творческой жизни, Георгий Георгиевич Тараторкин не растерял этих прекрасных качеств ни как человек, ни как актер, оставаясь верным своему признанию до последних дней своей жизни.

Николай Дмитриевич Мордвинов

советский актёр театра и кино, мастер художественного слова, режиссёр, народный артист СССР, лауреат Ленинской и трёх Сталинских премий

15 февраля 1901–26 января 1966

Николай Дмитриевич прожил недолгую (он ушел из жизни в возрасте 64-х лет), но яркую и чрезвычайно насыщенную творческую жизнь.

В 1925 году Мордвинов поступил в студию, руководимую Юрием Завадским, впоследствии реорганизованную в Театр-студию.

С 1936 года работал в Ростовском драматическом театре имени Горького, а с 1940 года в Театре имени Моссовета. Оба коллектива возглавлял Юрий Александрович Завадский.
Мордвинов был актером сильных чувств и масштабных мыслей. Ему были близки могучие, возвышенные, цельные характеры, мужественные, красивые герои. Он тяготел как к мощным трагедийным, так и остро комедийным, на грани гротеска, ролям.

Мордвинов играл — Мурзавецкого в Театре-студии Завадского, Поручика Ярового, Дон Гуана, Карла Моора и шекспировского Петуччио в Ростове, Кавалера ди Рипафратта, генерал-майора Огнева во «Фронте» Корнейчука, Короля Лира в Театре Моссовета. Так подходившего ему по темпераментуОтелло Николай Дмитриевич сыграл дважды: в Ростове и в Москве. Благодаря своей безразмерной эмоциональной амплитуде он был идеальным исполнителем шекспировских ролей.

О его даре перевоплощения Юрий Завадский писал:
«Мордвинов был романтиком, но как же уютно и легко он чувствовал себя в комедии, словно предохранявшей его трагические создания от напыщенной величавости и высокопарности. Рядом с Лиром в его творчестве возникает Петруччо, рядом с Отелло — гольдониевский Кавалер, рядом с Арбениным — Мурзавецкий... Всякий раз Мордвинов искал самое острое, доведенное до крайности выражение трагической и комической стихий».

Герои Мордвинова, — почти всегда, исключительные, незаурядные, люди, волевые, целеустремлённые, свободолюбивые. На киноэкране он часто появлялся в образах борцов за справедливость и народных мстителей. Снялся в заглавных ролях в фильмах «Котовский» и «Богдан Хмельницкий», а в фильме «В горах Югославии» сыграл Славко Бабича, югославского партизана, вступившего в борьбу с фашизмом.

Но главный киногерой Николая Мордвинова — это Арбенин в фильме Сергея Герасимова «Маскарад», ставший на долгие годы эталоном исполнения роли лермонтовского героя. К этому образу Мордвинов возвращался еще дважды, но уже на сцене. В Театре имени Моссовета он сыграл в двух редакциях «Маскарада» Юрия Завадского — 1952-го и 1963-го годов. Его Арбенин был одновременно величественной и трагической фигурой, человеком гордого смятенного ума. Эта роль стала и лейтмотивом творчества, и лебединой песней великого актера.

Карташева Ирина Павловна

народная артистка России​

4 ноября 1922 — 14 мая 2017

Ирина Павловна Карташева — петербурженка, красавица, одна из самых мудрых и аристократичных актрис моссоветовской сцены родилась 4 ноября 1922 года.

Будущая актриса около двух лет проучилась в Ленинградском хореографическом училище, откуда ушла по состоянию здоровья. В 1934 году был арестован ее отец, а мать как жену репрессированного отправили в ссылку в Самару, куда дочь последовала за ней. В 1940 году Ирине удалось вернуться в родной город и поступить в Ленинградский театральный институт, где она проучилась два года. Учеба была прервана войной, в годы которой Ирина Павловна работала почтальоном в госпитале в Саранске, а также в составе концертной бригады Мордовского государственного музыкально-драматического театра выступала перед бойцами действующей армии.

В Театр имени Моссовета Карташева пришла в 1947 году. Узнав, что Завадский ищет исполнительницу на роль Дездемоны, она приехала в Москву, прошла пробы и успешно дебютировала в шекспировском «Отелло». Юрий Александрович принял молодую актрису в труппу и помог ей получить разрешение на проживание в столице ее матери, жене врага народа. За это Ирина Павловна была ему благодарна всю жизнь.

За 70 лет работы в театре актриса создала целую галерею ярких образов, среди которых такие знаковые героини как баронесса Штраль в культовом «Маскараде» Завадского, Регана в «Короле Лире», Катерина Ивановна в «Петербургских сновидениях» и многие другие. Особым этапом творческой жизни актрисы стало сотрудничество с режиссером Андреем Кончаловским. Она сыграла в двух спектаклях его чеховской трилогии: «Дядя Ваня» и «Три сестры».

Благодаря прекрасному гибкому голосу Ирина Павловна была блистательной актрисой дубляжа, озвучившей более 300 фильмов. Ее голосом говорили Элизабет Тейлор, Кэтрин Хепберн, Наташа Парри, Марина Влади, Даниэль Дарье, Анни Жирардо, Брижит Бардо, Николь Курсель, Одри Хепберн, Ава Гарднер.

Ирина Павловна ушла из жизни в 94 года и почти до последнего выходила на сцену.

Мудрый, доброжелательный, не знающий чувства зависти и обладающий прекрасным чувством юмора человек, Ирина Павловна пользовалась в театре всеобщей любовью и уважением. А ее брак с актером моссоветовскойтруппы, заслуженным артистом России Михаилом Погоржельским, с которым они прожили 46 лет, был удивительным по своей гармонии и красоте семейным союзом.